Qu’est-ce qui t’a attirée dans ce texte ?

C’est un texte qui me fait beaucoup rire, à commencer par son titre. Les répliques sont cinglantes, rapides, et Rudy Milstein utilise l’humour noir de manière subtile et efficace. Les personnages sont incroyablement drôles, mais surtout profondément humains et terriblement attachants. Je pourrais même dire : attachiants.

Rudy Milstein réussit à nous faire rire de sujets complexes tels que le cancer, la Shoah, les rencontres amoureuses sur Internet ou encore la dépression. Il aborde une multitude de thèmes sans jamais alourdir son propos, tout en nous invitant à réfléchir au sens de la vie et à l’énergie que nous y consacrons. Je trouve ce texte subtil, drôle et touchant. Un très beau mélange pour une pièce de théâtre.

Comment expliques-tu le titre de la pièce ?

Comme je l’ai dit, j’adore ce titre. Je le trouve d’une efficacité redoutable et il résume parfaitement la pièce. Il raconte simplement l’histoire de personnages qui avancent dans la vie en essayant d’être heureux alors qu’au fond, ils vont mal.

Pour autant, ils ne se laissent pas aller. Ils cherchent de l’espoir, de la joie et des raisons de continuer, même dans des situations qui ne les y aident pas vraiment.

Moi, ça me parle, et je ne pense pas être la seule.

Peux-tu nous dire un mot sur ta façon de travailler avec les comédiens sur un texte ?

Depuis quelques années, je travaille avec une méthode bien spécifique inspirée de Sanford Meisner et transmise par Pico Berkowitch. Elle consiste à chercher la vérité des émotions au plus près de ce que vit le comédien à l’instant présent.

À travers des exercices très concrets, nous essayons de découvrir le texte sous un autre angle, en nous éloignant des clichés ou des stéréotypes que l’on pourrait reproduire par habitude. Nous explorons différentes manières de faire et de dire afin de nous laisser surprendre et de faire émerger des sous-textes inattendus.

La deuxième partie du travail concerne bien sûr la recherche du rythme juste, de la mécanique comique de la pièce et des relations entre les personnages, mais toujours avec un souci de sincérité.

Peux-tu nous dire un mot sur la distribution ?

Je suis très heureuse de cette distribution. Je mesure la chance que j’ai eue, ainsi que la confiance de la direction du théâtre, qui m’a permis de travailler avec des comédiens que j’admire profondément.

Cette fois, le choix m’a semblé assez évident, peut-être aussi parce qu’il s’agit de comédiens de ma génération et que je les connais un peu mieux. Je souhaitais avant tout travailler avec des personnes pour qui l’humour et le rythme n’ont plus de secrets, mais surtout avec des artistes qui ne craignent pas d’explorer, de chercher et de construire cet humour dans un véritable désir de sincérité et de vérité.

Qu’avez-vous voulu montrer à travers la scénographie et les accessoires ?

La scénographie a été pensée comme un plan-séquence. C’est d’ailleurs déjà contenu dans la forme du texte. Les scènes s’enchaînent les unes après les autres sans laisser au spectateur le temps de souffler. C’est cet enchaînement qui crée le rythme soutenu de la pièce, et c’est de ce rythme que naît en grande partie le rire.

Il fallait donc imaginer une scénographie capable d’accompagner ce mouvement permanent. Ce n’était pas simple, car la pièce traverse plus de dix lieux différents en une vingtaine de scènes.

Un module central servira de point d’ancrage, tandis que différents éléments entreront et sortiront progressivement pour faire évoluer les espaces, mais aussi pour continuer à surprendre le spectateur tout au long du spectacle.

Les couleurs resteront relativement sobres afin de laisser une place importante à la lumière, qui jouera un rôle essentiel dans la création des différentes atmosphères de la pièce.

Qu’est-ce que la mise en scène t’apporte d’autre par rapport à ton métier de comédienne ?

J’aime profondément ces deux métiers, et je trouve qu’ils se nourrissent l’un l’autre. Je ne serais pas la même metteuse en scène si je n’avais pas d’abord été comédienne.

J’adore mettre en scène, même si je dois reconnaître qu’il est parfois plus reposant d’être sur le plateau. Lorsqu’on met en scène, on se retrouve souvent seule face à ses choix. Il faut les assumer et porter une responsabilité qui est moins présente lorsqu’on est interprète.

En revanche, voir une scène se transformer, évoluer et s’enrichir au fil des répétitions et des échanges avec les comédiens procure une satisfaction difficile à décrire. C’est un plaisir immense qui me donne envie de continuer encore et encore à explorer ce métier si mystérieux qu’est la direction d’acteurs.